Скульптура Барокко Вазопись и живопись Византия Искусство Древней Японии Монументальная живопись Тициан Искусство итальянского барокко Русская глиняная игрушка Виды декоративно – прикладного искусства Модерн Фовизм

Жорж Брак (1882-1963), французский художник, график, скульптор и декоратор. Вместе с П. Пикассо является основоположником кубизма. Родился 13 мая 1882 года в Аржантане в семье художника-декоратора. В 1900-1901 учился в Технической школе в Париже. В 1902-1904 посещает занятия в Школе изящных искусств и в академии Эмбера, музеи и частные коллекции, изучает живопись импрессионистов и постимпрессионистов, египетскую и греческую скульптуру, а также произведения Коро и Сезанна.

В 1906-1907 Ж. Брак пишет несколько серий пейзажей, в которых чувствуется влияние живописи фовистов и Сезанна. Сильное впечатление произвела на него картина Пикассо «Авиньонские девицы» (1907). В 1908 году художник создает серию новаторских пейзажей, при работе над которыми он следует призыву Сезанна: «Изображайте природу в формах цилиндров, сфер и конусов». В 1908-1914 Ж. Брак и П. Пикассо работают в тесном сотрудничестве, развивая принципы нового художественного направления. Сначала они аналитически разрушают привычные образы предметов, словно «разбирая» их на отдельные формы и пространственные структуры, а в 1912 году начинают работать в технике коллажа и аппликации и увлекаются обратным процессом – синтезированием объектов из разнородных элементов. Значительным вкладом Ж. Брака в творческий процесс становится использование надписей и различных декоративных техник.

Большая композиция «Музыкантша» (1917–1918) является итогом фазы синтетического кубизма в творчестве Брака и обозначает отправную точку в его новых творческих поисках. В 1920-е годы элементы кубизма постепенно исчезают из произведений Ж. Брака, он использует больше изобразительных мотивов. Общественное признание приходит к нему в 1922 году после выставки, на которой художник представляет серии картин, написанных в богатой живописной манере: Камины, Столы и Канефоры (девушки, несущие корзины с жертвенной утварью). В конце 1920-х годов Ж. Брак отказывается от ярких живописных эффектов и продолжает эксперименты с формой и цветом; он пишет морские виды, купальщиц, неоклассические мотивы и головы с двойным профилем. В 1930-1940-е годы художник пишет натюрморты и композиции в интерьере, иногда с музыкантами, натурщиками и художниками, а иногда - вовсе лишенные человеческих фигур. После войны работы Ж. Брака приобретают более созерцательный характер, о чем свидетельствует серия из 8 картин «Мастерская» (1949–1956). В 1952–1953 художник выполняет росписи плафонов в Лувре. Изображенные на них большие черные птицы на фоне голубого неба становятся одним из наиболее часто встречающихся мотивов в поздних работах мастера.

Пабло Пикассо (1881-1973), полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком).

Первые уроки художественного мастерства П. Пикассо получил у своего отца - учителя рисования Х. Руиса, и вскоре владел им в совершенстве. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, «Пикадора», с которой не расстается в течение всей жизни.

П. Пикассо обучается в школе искусств в Ла-Корунье (1894-1895). В 1895 году поступает в школу изящных искусств в Барселоне. В сентябре 1897 уезжает в Мадрид, где в октябре проходит конкурс в академию Сан-Фернандо.

Художник возвращается в Барселону в июне 1898 года, там он входит в общество «Els Quatre Gats» - богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. В этом кафе пройдет его первая выставка. В 1900 году П. Пикассо уезжает в Париж. Именно там, он знакомится с творчеством импрессионистов.

В начале 1902 года П. Пикассо делает работы в стиле, впоследствии названном "голубой период". В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (П. Пикассо считал - «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, П. Пикассо в этот период рисует слепых, нищих, алкоголиков и проституток.

Произведение переходного периода - от «голубого» к «розовому» - «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). В 1904 году Пикассо поселяется в Париже: начинается так называемый "розовый период", в котором печаль и нищета "голубого периода" сменяется образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдает предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами становятся странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов ("Семья акробатов с обезьяной", 1905)

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры ("Авиньонские девицы", 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, Пикассо становится родоначальником кубизма - художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", 1909), увеличивает и ломает объемы ("Портрет Фернанда Оливье", 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910).

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве П. Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х ("Танец") П. Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 году, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929), орущих ("Женщина в кресле", 1929), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период ("Девушка перед зеркалом", 1932). В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила П. Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса ("Лежащая женщина", 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма ("Мужчина с букетом", 1934) и металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - "Конструкция", 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к "Метаморфозам" Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

В 1937 году симпатии Пикассо - на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация разрушила небольшой городок басков Гернику - культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» - громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником - символом надежды.

Гуманистические воззрения П. Пикассо проявляются и в других его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».

Осенью 1947 года П. Пикассо начинает работать на фабрике "Мадура" в Валлорисе. Увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных ("Кентавр", 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры ("Беременная женщина", 1950). Некоторые из них ("Коза", 1950; "Обезьяна с малышом", 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника многогранны.

Фернан Леже (1881-1955), французский живописец, скульптор, график, керамист и декоратор, поборник «эстетики машинных форм» и «механического искусства». Родился 4 февраля 1881 года в Аржантане, в семье нормандского крестьянина. В 16 лет начинает работать в архитектурной фирме в Кане, а в 1900 году становится чертежником в архитектурной мастерской в Париже. После службы в армии поселяется в живописном и привлекательном для художников доме с мастерскими «Ла Рюше» («Улей»), где встречается с такими мастерами, как А. Архипенко, А. Лоран, Ж. Липшиц, Делоне, М. Шагал и Х. Сутин. В 1910 году художник знакомится с П.Пикассо и Ж.Браком. Свои первые полотна Ф. Леже пишет под влиянием живописи П.Сезанна («Свадьба» (1910), «Дама в голубом» (1912), серию «Геометрические элементы» (1913–1914)).

После Первой мировой войны Леже интересуется современными теориями движения и механики. Этот интерес выразился в создании таких произведений, как «Город» (1919), «Механика» (1920), «Большой завтрак» (другое название «Три женщины», 1921) и «Вокзал» (1923). В них элементы человеческого тела напоминают формы труб, моторов, стержней и шестеренок. Ф. Леже осуществляет крупные декоративные проекты на Выставке декоративных искусств в Париже (1925), на Брюссельской международной выставке (1935) и в здании ООН в Нью-Йорке (1952).

С 1931 по 1939 годы Леже несколько раз бывает в США. Во время Второй мировой войны (с 1940) он получает там убежище и преподает в Йельском университете. Вернувшись в Париж в декабре 1945 года, он завершает серию крупных композиций «Прощай, Нью-Йорк» (1946), «Развлечения» (1949), «Конструкторы» (1950), «Деревенская компания» (1953), «Большой парад» (1954).

Ф. Леже интересуют разные области искусства: мозаика, цветное стекло, книжная иллюстрация, изготовление картонов для ковров, театральная декорация. Везде он стремится передать движение. В 1921 году вместе с Сандраром участвует в работе над фильмом Абеля Ганса «Колесо». Иллюстрирует книгу Андре Мальро «Бумажные луны». В киноискусстве Ф. Леже создает первый фильм без сценария «Механический балет» (1924). В 1934 году А. Корда попросит его сделать декорации для фильма по сценарию Г.Уэллса «Форма грядущего». Вместе с А. Колдером, М. Дюшаном, М. Эрнстом и М. Рэем он работает над фильмом «Мечты, которые можно купить за деньги» («Ханс Рихтер филм», 1948).


Тенденции современного дизайна